Aaron bondaroff



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AARON BONDAROFF

B: 1977


LW: New York City

A-ron is the community leader of the New York Minute group. Though he has at various times run a club, run a shop, run an illegal club/shop, made art, made web projects, block parties, staged group photographs, or curated art shows, he has consistently throughout all of these activities been the loud, slang slinging mouthpiece for the downtown scene. A tireless supporter of almost all the artists in this exhibition, A-ron always knows what’s best about the city and will put you on to the artists, weirdoes, fashionistas, junkies, perverts, poets, and freaks that make New York City great.


A-ron’s art piece for this show is a pop-up shop of all the products associated with this scene that he has helped to shape; zines, CDs, stickers, jewelry, editioned sculpture, prints, photos, postcards: whatever these interdisciplinary artists are doing, he will have it in his shop. Designed by downtown designer Rafael de Cardenas, (our exhibition designer for New York Minute as well), and presented by one of his many cleverly-named brands, O.H.W.O.W., this is not only where you can take home a piece of the action, but maybe also where you can meet a guy who can bring you in on it. KG

Leader della comunità di New York Minute, A-ron ha più volte aperto e gestito club e negozi, legali ed illegali, creato arte, inventato siti web, curato mostre, organizzato festini e set fotografici. Onnipresente, è sempre stato il più rumoroso e vistoso portavoce della downtown scene, instancabile sostenitore della maggior parte degli artisti in mostra. Perennemente al centro del jet-set, sempre al corrente di tutte le novità, lo si ritrova sempre circondato da artisti, modaioli, tossici, perversi, poeti, schizzati e strani personaggi che rendono New York così eccezionale.
Il negozio costruito da A-ron, in mostra, racchiude qualsiasitipo di oggetto legato a questa scena, che egli stesso ha contribuito a formare: riviste, CD, stickers, gioielli, sculture, stampe, foto e cartoline. Qualunque cosa questi artisti interdisciplinari stiano facendo, Aaron l’avrà nel suo negozio. Progettato da Rafael de Cardenas (designer della mostra), in questo luogo non solo è possibile portare via un frammento di questa esuberante comunità, ma anche trovare un ragazzo che vi ci trascina dentro. KG

AGATHE SNOW

B: 1976


LW: Long Island, New York

Agathe is a whirlwind of activity, often working in collaboration, often appearing by chance, organizing dinners as art projects, throwing dance parties as art projects, while also making sculpture, installation and video. She works on the fly, fast and furious, with whatever materials are available and uses her strong spirit to imbue them with life. Paul McCarthy differentiates his ketchup-and-chocolate covered, hysterical performances from the blood-and-shit of the Viennese Actionists before him by pointing to the basic difference between LA in the 70s and 80s and Vienna in the 60s. One could tie Agathe Snow to McCarthy in the same resistant way – she continues the idea of “material action,” but she does it in a way marked by New York City in the 90s and 2000s (with 9/11 as an undeniable hinge). Every sculpture, video and collage is, at its core, part of a continuous performance – whether she is collecting and reanimating forgotten scraps left in the streets or directing the city’s intimate strangers in her post-apocalyptic, nouvelle-Renaissance narrative. In each work, viewers glimpse the artist’s reconciliation with and fight against her physical existence within a larger system.


Untitled, 2008, began its role, literally, as a throne. It was sat upon during Agathe’s champagne dinner for 200 people at the Park Avenue Armory – part of the performance program of the 2008 Whitney Biennial – and then moved down to a dank basement in Chinatown for Act II. The Swan gets its title from a fable written by Leonardo da Vinci and was presciently included in a show Agathe made about "neo Renaissance", a new phase of change and growth for society, that opened just days before the financial crisis in New York erupted and a new spirit indeed began to surface. MBT

Agathe è un turbinio di attività, spesso lavora in collaborazione con altri artisti, appare per caso, organizza cene e feste come fossero progetti artistici e allo stesso tempo realizza sculture, installazioni e video. Lavora velocemente usando qualsiasi materiale trovi, e sfrutta il suo buon umore per inebriarlo di vita. Paul McCarthy distingue le sue isteriche performance, ricoperte di ketchup e cioccolata, dall’Azionismo Viennese sottolineando la differenza di fondo tra la Los Angeles degli anni ’70 -’80 e la Vienna degli anni ’60. Allo stesso modo si potrebbe tentare un paragone tra Agathe Snow e McCarthy, vista la sua continuità con il “material action”, attualizzata nella New York degli anni ’90 e 2000 (con l’11 settembre come innegabile punto cardine). Ogni scultura, video e collage è, nel profondo, parte di una performance continua - che stia collezionando e rianimando oggetti dimenticati per strada o introducendo gli spettatori all’interno delle sue dinamiche narrative post-apocalittiche e neo-Rinascimentali. In ogni sua opera, lo spettatore intravede il dualismo dell’artista che cerca di conciliare e allo stesso tempo combattere la propria esistenza fisica all’interno di un sistema più ampio.
Untitled, 2008 era inizialmente un trono. Qualcuno ci si è seduto sopra durante la cena di gala da 200 persone organizzata da Agathe al Park Avenue Armory – parte del programma della performance per la Biennale del Whitney del 2008 – poi è stato spostato in un umido seminterrato a Chinatown per Act II. The Swan prende il titolo da una fiaba di Leonardo da Vinci che era stata inclusa in una mostra di Agathe sul “neo Rinascimento”, una nuova fase di crescita e cambiamento. La mostra inaugurò pochi giorni prima della crisi finanziaria di New York, anticipandone il nuovo spirito che già iniziava ad affiorare in superficie. MBT


ALAN VEGA

B: 1942


LW: New York City

Alan Vega grew up on the Lower East Side, formed hugely influential electronic music punk band Suicide with Martin Rev in 1970, and has been shaping New York culture ever since. Known for their extreme performances that often ended in violence and chaos, Suicide were special guests of The Clash on their 1978 British tour, but were being bottled off stages every night by bewildered punk fans. It would be a while before the world was ready to embrace Suicide’s strange hybrid of synthesizer driven rock ‘n’ roll, but they are now revered as trailblazers by the young bands in the city like A.R.E. Weapons, who even got to perform with Alan in Dash Snow and Dan Colen’s NEST exhibition, both artists being big fans of Alan’s music.


Alan’s artwork has always had the same electrically charged yet spare chaos of his music, literally as they are often pieces that plug into the wall, composed of humble materials like Christmas tree lights and found wood. These immediate, visceral tangles of junk and light grab you like a drum beat and hold you in their electric hum. KG
Alan Vega è cresciuto nel quartiere di Lower East Side di New York, fondando nel 1970 con Martin Rev i Suicide una tra le più influenti band di musica elettro punk, che ha continuato a plasmare la scena culturale newyorkese fino ad oggi. Famosi per le loro performance estreme, che spesso sfociavano in atti di caos e violenza, i Suicide furono nel 1978 gli special guests dei Clash durante il loro tour britannico. In quella occasione le loro performance finirono spesso con lanci di bottiglie da parte dei fan dei Clash, incapaci di riconoscerli come i pionieri del punk elettronico. Ci sarebbe voluto del tempo prima che il mondo comprendesse lo strano ibrido di rock’n roll e sintetizzatori. Al contrario, oggi vengono considerati pionieri da molte giovani band della città, come gli A.R.E. Weapons, che si sono esibiti insieme ad Alan per la mostra di Dash Snow e Dan Colen NEST.

Il lavoro di Alan Vega ha da sempre avuto la stessa carica energetica e caotica della sua musica. I lavori creati dall’artista, attraverso luci natalizzie, legno e rifiuti vari, hanno lo stesso effetto dei battiti di un tamburo che trascina in un frastuono elettrico. KG

ARA PETERSON

B: 1973


LW: Providence, RI

Ara Peterson comes out of an efflorescence of very maximal and very figurative art in Providence, Rhode Island. At the center of this activity, Ara has nonetheless always had his focus in experimental video with a minimal aesthetic. His videos often couple simple concepts with repetitive and expanding abstract imagery. A series of exploding and interweaving diamond forms builds to a multiply transparent thicket of bursting energy and noise in a signature video work, UV Energy Fields, 2003. His sculptures and wall pieces are often constructed with laser-cut painted wood slats whose choppy undulations come from patterns generated by his experiments in video. In these, the video data meets the motion of the video meets the sound waves of the audio; all made 3D and painted bright, pop colors. Somehow both digital-looking and handmade, this body of work is in tight relationship to his video explorations.


Two wall sculptures of this kind are featured in the exhibition. This pair most clearly demonstrates the way Ara is updating the history of abstraction, maybe most particularly by its oblique similarity to Jasper Johns’ habit of pairing grisaille and colored works together. KG

Ara Peterson viene dalla scena dell’arte figurativa di Providence, Rhode Island. I suoi video sperimentali, dall’estetica minimalista, sono il fulcro della sua attività creativa. Nei video vengono accostati concetti semplici ad un immaginario astratto ripetitivo ed espanso. In UV Energy Fields 2003, una serie di figure a forma di diamanti si intrecciano per poi esplodere moltiplicandosi attraverso rumori ed energie infuocate. Le sue sculture e le opere a parete sono spesso realizzate su stecche di legno intagliato, i cui andamenti curvilinei si rifanno ai pattern sperimentati dei video. In queste opere, tutte in 3D e dipinte con colori sgargianti, è come se i dati digitali del video incontrassero il movimento del video e il suono delle onde sonore dell’audio. In qualche modo sia il digitale sia le opere realizzate a mano sono parte di un unico corpus lavorativo, strettamente legato alle sue rappresentazioni video.
Qui in mostra sono esposte due di queste sculture a parete. Entrambe dimostrano chiaramente il modo in cui Ara sta modernizzando la storia dell’astrattismo, forse rifacendosi in particolare all’attitudine di Jasper Johns di unire lavori in grisaille e dipinti a colori. KG

assume vivid astro focus

Formed: 2000

LW: globally

assume vivid astro focus is a live, cultivated culture as much as an art collective. In it, rotating casts of artists produce large-scale, site-specific installations that combine technologically based work with rugged architectural remnants or local art supplies. Computer-designed video loops, imagery plastered onto surfaces via massive stickers, wallpapers, and decals, neon sculptures, bijoux, fur, and feather boas indicative of drag culture, all works it way into disco-like environments in which radical musicians and performers celebrate present moments as discrete art events. By collaborating with changing members of avaf, viewers, event participants, and avaf's host institutions, the group seeks to destroy traditional power structures in favor of creating spaces in which associates catch avaf's pure aesthetic expressions of joy like a virus.


This construction, pulled from a Brooklyn-based installation called Absolutely Venomous Accurately Fallacious (Naturally Delicious) and a Berlin show Aqui Volvemos Adornos Frivolos, features several visual blasts from what avaf call “bombs”: vinyl stickers applied to three-dimensional plywood shapes that create spastic, sensual, carnivalesque collisions. In these Bombs, trannies are worshipped as "goddesses of change," as they always are in avaf's exhibitions. In the Bombs' original setting, a gargantuan sculpture of a transgender heroine lounged in the room's center, like a parade float declaring gay pride, tolerance, and a luscious craving for variety. TD

assume vivid astro focus è, ancor prima di un collettivo, uno stile di vita. All’interno del gruppo ruotano artisti che creano grandi istallazioni site specific, combinando nuove tecnologie con resti architettonici o con materiale trovato in loco. Animazioni grafiche, pareti tappezzate di grandi stickers, carta da parati, decalcomanie, sculture al neon, gioielli, pellicce e boa di piume che rievocano la drag culture: tutti i loro pezzi ricordano luoghi della vita notturna, ambienti in cui musicisti e performer celebrano ogni attimo come fosse un particolare evento artistico. Collaborando sempre con diversi artisti, spettatori e istituzioni, il gruppo cerca di distruggere le tradizionali strutture del potere favorendo la creazione di nuovi spazi in cui poter diffondere come un virus la loro gioia puramente estetica.
L’installazione in mostra, creata unendo le due opere Absolutely Venomous Accurately Fallacious (Naturally Delicious) concepita a Brooklyn e Aqui Volvemos Adornos Frivolos esposta a Berlino, presenta numerosi pezzi di quelle che gli AVAF chiamano “bombe”: adesivi in vinile fissati su forme tridimensionali di compensato che provocano spastiche, sensuali e carnevalesche collisioni. Qui i travestiti sono, come spesso accade nelle opere degli AVAF, venerati come divinità femminili del cambiamento. Nel concepimento originale delle “bombe” emergeva la scultura di un’eroina transgender che oziava al centro della stanza, come se fosse un carro da parata del gay pride, manifesto di tolleranza, libertà e diversità. TD

AUREL SCHMIDT
B: 1982

LW: New York City

Aurel Schmidt's exquisite colored pencil drawings combine realistically rendered refuse, flora and fauna, or other sexually charged objects into biomorphic, two-dimensional tableaux that speak about debased femininity and the freedom the artist finds in what she calls "funked purity." Schmidt's early drawings focused on decaying items patched together into skeletons or landscapes that were simultaneously pastoral and hellish. Currently, she is making abstracted female figures that speak more about life's contradictions than death. Schmidt's drawings reflect the nature of selective memory re-emerged, and the ways trauma both rips apart and comprises the physical body, or at least self-image. Her femme fatales are supernaturally alluring and riddled with undercover romanticism.
Willem deKooning's Woman I (1950-52) compositionally inspired Like A Fish Needs A Bicycle, though rather than depicting a woman as some anxiety-ridden other, Schmidt pits the modernist assurance and muscle of her tough-fisted lady against her degraded vulnerability. Schmidt's sno-cone palette, while it does recall youth and the carnivalesque, arises formally and conceptually out of Schmidt's desire to eradicate the black and white—what she begins with—in favor of tinted gray tones. As Rome Burns shows her working purely in graphite, a grittier, rawer approach augmented by the bootprints on the paper and the crunched newspaper in the Weeping Woman’s mouth reading AS ROME BURNS YOU LOSE. TD

Gli incantevoli disegni a matita di Aurel Schmidt trasformano rifiuti, fauna, flora e oggetti a sfondo sessuale in tableaux biomorfi bidimensionali, affrontando temi come la svalutazione della femminilità e la libertà che l’artista trova in quello che chiama “funked purity”. I suoi primi disegni raffiguravano oggetti in decadimento messi insieme a formare scheletri o panorami allo stesso tempo idilliaci e infernali. Oggi, ritrae principalmente figure femminili astratte che affrontano le contraddizioni della vita più che che il tema della morte. I suoi disegni dimostrano come la memoria selettiva e i traumi passati possano facilmente riemergere e nuocere a noi stessi o all’immagine che abbiamo di noi stessi. Le sue femmes fatales sono innaturalmente attraenti e racchiudono in loro un nascosto romanticismo.
In Like A Fish Needs A Bicycle, ispirato a Woman I (1950-52) di Willem de Kooning, Schmidt, invece di dipingere donne angosciate e agitate, cancella la loro degradante vulnerabilità, risaltandone la sicurezza e la fermezza. La sua vivace gamma di colore richiama la giovinezza e il carnevalesco e allo stesso tempo sradica il bianco e nero a favore dei toni grigi. L’approccio duro e diretto di Aurel viene sottolineato in As Rome Burns dalle suole di stivali sulla carta e dai brandelli di giornale masticati in Weeping Woman, con scritto MENTRE ROMA BRUCIA TU PERDI. TD

BANKS VIOLETTE

B: 1973


LW: New York City
There is no rest for the weary iconography that bludgeons-forth our culture: horse, flag, skull, cross. Banks Violette investigates the unrelenting potential we grant these symbols to move us in pattern-formation through the looming murkiness. To do this, Banks’ artwork takes us straight into the messy machinations of the set-up: a grid in jet-black epoxy provokes the uneasy physical encounter of Minimalist sculpture, only this time we are allowed to walk behind the wall and see the bolts that fasten together our experience. And yet the act of pulling back the curtain so we see what’s coming is not enough to stop our reflex. As Banks would point out, the zombie’s slow approach just amplifies the horrific inevitability of its death grip.
Originally produced for an exhibition in Bergen, Norway, famously the site of black metal band-member church arson, Banks’ Not Yet Titled (Bergen Chair) offers the sweet effigy of a common public school chair, perpetually aflame but never burnt to ash. MBT
Non c’è pace per l’estenuante iconografia che invade la nostra cultura: il cavallo, la bandiera, il teschio, la croce. Banks Violette indaga la persistente potenzialità che assegniamo ai simboli, guidandoci dentro i loro preconcetti. Per ottenere questo, l’opera di Banks ci trascina direttamente all’interno di disordinate strutture: una griglia fatta di epossido nero corvino provoca lo sconfortante incontro fisico con il minimalismo della scultura, che solo in questo caso svela il suo meccanismo. Eppure, il gesto di tirare la tenda in modo da scoprire cosa sta succedendo non è sufficiente a fermare la nostra reazione. Come Banks vuole dimostrare, il lento avvicinarsi dello zombie non fa che amplificare il terrificante sopraggiungere della morte.

Originariamente prodotta per una mostra a Bergen, Norvegia, celebre luogo in cui i musicisti di black metal bruciavano le chiese, Not Yet Titled (Bergen Chair) offre la dolce immagine di una sedia di una scuola pubblica che brucia perennemente senza mai trasformarsi in cenere. MBT


BARRY MCGEE
B: 1966

LW: San Francisco

Barry McGee is the most diverse and successful example of an artist taking their flourishing street practice to a gallery and evolving to make not “graffiti art” but rather compelling works of visual art that authentically capture the excitement and elegance of their work on the streets. Since exhibiting in galleries starting in 1999, Barry has created murals, panel paintings, ballpoint-pen drawings, huge sculptures of stacked vehicles, fake bathrooms with animatronic figures, blinking and jabbering TV towers, sprawling abstract wood clusters and assisted ready-mades, to name just a small selection. From the simplest sketch to the biggest sculpture, Barry’s wit and mischief shine through to engage any type of audience, from graffiti writer to grandma.
In this exhibition Barry presents one of his drawing “bumps”, a huge clustering of framed art material, found and created, shaped over a rounded wall protrusion. This piece treats his art accumulation, or what more accurately appears to be his accumulated life, as just another thing on the wall, disrupted as in a fun-house mirror or about to pop like a pimple. KG

Barry McGee è uno dei più importanti esempi di come la pratica di un artista di strada possa finire all’interno delle gallerie, ma non come “arte graffittara” bensì come convincente arte visiva, in grado di catturare la vivacità e l’eleganza dei lavori fatti in strada. Da quando ha iniziato a esporre in spazi espositivi privati, McGee ha realizzato: murales, dipinti su pannello, disegni con penna a sfera, immense sculture realizzate con pezzi di veicoli dismessi e ammucchiati uno sull’altro, finti bagni abitati da figure animate, intermittenti televisori borbottanti, disordinati e astratti ammassi di legno e accurati ready made. Le arguzie di Barry vanno dal semplice schizzo alla grande scultura e coinvolgono ogni tipo di pubblico, dal writer alla vecchietta.
In questa mostra Barry presenta uno dei suoi disegni “bumps”, una consistente raccolta di materiale incorniciato, trovato e creato, appeso su una rotonda sporgenza del muro appositamente modellato. Questo lavoro riflette l’idea di accumulazione artistica di McGee, la sua vita stratificata, come fosse un altra cosa sul muro, scompigliata come in una casa degli specchi o come un brufolo sull’orlo dell’esplosione. KG




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